Hijo de un profesor de música y hermano de un concertista de piano, el
saxofonista tenor, Sonny Stitt (Boston, 1924), empezó a estudiar piano
para después pasarse al clarinete y al contralto. Afincado en Saginaw,
empezó a trabajar con Thad Jones, hasta que se trasladó con su familia a
Detroit donde contacto con Mel Lewis y Lucky Thompson. En la ciudad de
Newark, obtuvo algunos contratos intrascendentes y en aquélla época
empezó a escuchar a Charlie Parker cuando el saxo alto de Kansas,
trabajaba en la orquesta de Jay McShann.
Poco
después conoció personalmente a "Bird" en Kansas City, donde ambos se
juntaron para tocar en una sesión privada en la que Parker pudo
comprobar lo que se decía de Sonny Stitt, (Miles Davis confirmó que
Stitt tocaba como Parker, incluso antes de que este conociera al genio
de Kansas). Entre 1945 y 1946 y en New York, tocó con Dizzy Gillespie,
grabando varios temas para el sello "Musicraft" y tambien con el
pianista, Bud Powell. A su vuelta a Detroit, tuvo que interrumpir su
actividad a consecuencia de su adicción a la droga. Afortunadamente
siguió un severo proceso de desintoxicación en Lexington y en 1949, ya
estaba de vuelta a New York. Adoptó el saxo tenor en esta segunda etapa
-probablemente tras comprobar que Parker era el rey indiscutible del
saxo alto- y formó un pequeño grupo que codirigió con Gene Ammons,
durante un par de años. 1949 fue tambien el año de su debut discográfico
con el tema: "All God's Chillun Got Rhythm" (Prestige) un sello con el
que grabó durante dos años (1949-1950) una serie de espléndidos discos.
A finales de los años cincuenta, fue contratado por el productor Norman
Granz, para su famoso espectáculo "Jazz at the Philharmonic" con el
que recorrió varios países europeos. En 1964 realizó otra importante
gira, esta vez a Japón con un gran sexteto que incluía entre otros
grandes músicos, a Jay Jay Johnson y Clark Terry. De vuelta a los
Estados Unidos, formó un quinteto con Zoot Sims, de duración efímera.
En 1971 fue llamado por George Wein para formar junto a Dizzy
Gillespie, Kai Winding, Thelonious Monk, Al McKibbon y Art Blakey el
sexteto "The Giants of Jazz" con el que realizó una larguísima y
extensa gira por Nueva Zelanda, Australia, Japón, Israel y Europa con un
resultado de critica y publico extraordinario. En 1974 participó en el
Festival de Newport dentro del espectáculo "The Musical Life of Charlie
Parker".
Claramente influenciado por Charlie Parker, la discografía de Sonny
Stitt es abundantísima -grabó sólo a su nombre cerca de ciento cincuenta
álbumes.
Su muerte en 1982 dejó un vacío importante entre los saxofonistas importantes del jazz.
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Artist Biography by Bob Porter
Charlie Parker has had many admirers and his influence can be detected
in numerous styles, but few have been as avid a disciple as Sonny Stitt.
There was almost note-for-note imitation in several early Stitt solos,
and the closeness remained until Stitt began de-emphasizing the alto in
favor of the tenor, on which he artfully combined the influences of
Parker and Lester Young. Stitt gradually developed his own sound and
style, though he was never far from Parker on any alto solo. A wonderful
blues and ballad player whose approach influenced John Coltrane, Stitt
could rip through an up-tempo bebop stanza, then turn around and play a
shivering, captivating ballad. He was an alto saxophonist in Tiny
Bradshaw's band during the early '40s, then joined Billy Eckstine's
seminal big band in 1945, playing alongside other emerging bebop stars
like Gene Ammons and Dexter Gordon. Stitt later played in Dizzy
Gillespie's big band and sextet. He began on tenor and baritone in 1949,
and at times was in a two-tenor unit with Ammons. He recorded with Bud
Powell and J.J. Johnson for Prestige in 1949, then did several albums on
Prestige, Argo, and Verve in the '50s and '60s. Stitt led many combos
in the '50s, and re-joined Gillespie for a short period in the late
'50s. After a brief stint with Miles Davis in 1960, he reunited with
Ammons and for a while was in a three-tenor lineup with James Moody.
During the '60s, Stitt also recorded for Atlantic, cutting the
transcendent Stitt Plays Bird, which finally addressed the Parker
question in epic fashion. He continued heading bands, though he joined
the Giants of Jazz in the early '70s. This group included Gillespie, Art
Blakey, Kai Winding, Thelonious Monk, and Al McKibbon. Stitt did more
sessions in the '70s for Cobblestone, Muse, and others, among them
another definitive date, Tune Up. He continued playing and recording in
the early '80s, recording for Muse, Sonet, and Who's Who in Jazz. He
suffered a heart attack and died in 1982.
Review by Lindsay Planer As the '50s drew to a close, so did Thelonious Monk's illustrious tenure on Riverside Records. In fact, the three dates needed for this title would be his penultimate for the label. The concept of the album consists of five Monk originals performed in a quintet setting. Ironically, this was the first time that Monk had recorded with a lineup that so prominently featured the "standard" bop rhythm section incorporating both a trumpet (or, in this case, cornet) and sax player. The quintet featured on 5 by Monk by 5 includes Monk (piano), Thad Jones (cornet), Charlie Rouse (tenor sax), Sam Jones (bass), and Art Taylor (drums). Rouse would become Monk's permanent tenor saxophonist for the majority of the 1960s. In what had become somewhat of a tradition, the disc's program consists of several of Monk's more established works as well as a few new compositions. One of the new works, "Jackie-ing" (incidentally, named after one of Monk's nieces), leads off the disc. It exemplifies the loose, disjointed, and exceedingly difficult arrangements that would define Monk as a premier composer/arranger/bandleader. This is in contrast to Monk the keyboard player and band member, which he skilfully demonstrates throughout the track as well as the rest of the album. The song's opening jam features a tasty tug of war between Rouse's animated lead and Monk's interjections and piano antics. Jones' cornet is incorporated tastefully throughout Monk's tricky arrangements. The stark contrast in performance timbre between the comparatively subdued Rouse or Monk and the frenetic bleating of Jones is notably disconcerting. [Some reissues includes two alternate takes of "Played Twice," the other Monk composition to be debuted on 5 by Monk by 5.] https://www.allmusic.com/album/5-by-monk-by-5-mw0000200093
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Reseña de Lindsay Planer A medida que los años 50 llegaban a su fin, también lo hacía el ilustre mandato de Thelonious Monk en Riverside Records. De hecho, las tres fechas necesarias para este título serían las penúltimas para el sello. El concepto del álbum consta de cinco Monk originals interpretados en un quinteto. Irónicamente, esta era la primera vez que Monk grababa con una formación que presentaba de manera tan destacada la sección rítmica bop "estándar" que incorporaba tanto una trompeta (o, en este caso, una corneta) como un saxofonista. El quinteto presentado en 5 by Monk by 5 incluye a Monk (piano), Thad Jones (corneta), Charlie Rouse (saxo tenor), Sam Jones (bajo) y Art Taylor (batería). Rouse se convertiría en el saxofonista tenor permanente de Monk durante la mayor parte de la década de 1960. En lo que se había convertido en una especie de tradición, el programa del disco consta de varias de las obras más establecidas de Monk, así como algunas composiciones nuevas. Una de las nuevas obras, "Jackie-ing" (por cierto, llamada así por una de las sobrinas de Monk), encabeza el disco. Ejemplifica los arreglos sueltos, inconexos y extremadamente difíciles que definirían a Monk como un compositor/arreglista/líder de banda de primer nivel. Esto contrasta con Monk, el tecladista y miembro de la banda, que demuestra hábilmente a lo largo de la pista, así como en el resto del álbum. La jam de apertura de la canción presenta un sabroso tira y afloja entre el protagonista animado de Rouse y las interjecciones y payasadas de piano de Monk. La corneta de Jones se incorpora con buen gusto en los complicados arreglos de Monk. El marcado contraste en el timbre de interpretación entre Rouse o Monk, comparativamente tenue, y el frenético balido de Jones es notablemente desconcertante. [Algunas reediciones incluyen dos tomas alternativas de "Played Twice", la otra composición de Monk que debutará en 5 by Monk by 5.] https://www.allmusic.com/album/5-by-monk-by-5-mw0000200093
During the 1960's, Shirley Scott's Impulse albums were often split
between big band selections (with orchestras arranged by Oliver Nelson)
and trio features. This CD reissue from 1989 includes all of the
contents from two of Scott's better Impulse albums, Great Scott and For
Members Only. In general the eight trio numbers are the most rewarding
performances on the disc since the material is fairly superior while the
big band tracks emphasize then-current show and movie tunes. Overall
this generous CD gives one a good overview of Shirley Scott's playing
talents.
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Traducción Automática:
Revisión por Scott Yanow
Durante la década de 1960, los álbumes de Shirley Scott's Impulse a
menudo se dividían entre selecciones de grandes bandas (con orquestas
organizadas por Oliver Nelson) y trío. Esta reedición de CD de 1989
incluye todos los contenidos de dos de los mejores álbumes de Scott
Impulse, Great Scott y For Members Only. En general, los ocho números de
trío son las interpretaciones más gratificantes del disco, ya que el
material es bastante superior, mientras que las pistas de big band
enfatizan las melodías de películas y espectáculos actuales. En general,
este generoso CD ofrece una buena descripción de los talentos de
Shirley Scott.
Description from liner notes and reviews: Two of the most expressive and prolific figures in jazz history collaborated on this exceptional session. Multi-reed instrumentalist James Moody and trumpeter, composer, and arranger Thad Jones created an album that fell through the critical cracks despite being remarkably good. Recorded in 1964 for the independent Scepter label, it was one of two albums Moody made for the label featuring the immortal Thad Jones. The session takes off from Moody's early '60s work for Chess, displaying a deeper side of his musical consciousness with Tom McIntosh's influence strongly felt as producer. Moody plays tenor, alto, and flute, working with a really great group including Patti Bown on piano, Albert Heath on drums, Reggie Workman on bass, and Thad Jones on trumpet. The scope of the work is far beyond anything expected, with a stunning early funk track featuring a tripped-out organ line. Remastered for 2024, this album represents one for any true jazz fanatic's collection. https://www.amazon.com/Running-Gamut-Legendary-Sessions-1963-1964/dp/B0DFZ582C3
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Descripción de notas de producción y reseñas: Dos de las figuras más expresivas y prolíficas de la historia del jazz colaboraron en esta sesión excepcional. El instrumentista multi-cañas James Moody y el trompetista, compositor y arreglista Thad Jones crearon un álbum que cayó entre las grietas críticas a pesar de ser notablemente bueno. Grabado en 1964 para el sello independiente Scepter, fue uno de dos álbumes que Moody hizo para el sello presentando al inmortal Thad Jones. La sesión despega del trabajo de principios de los '60 de Moody para Chess, mostrando un lado más profundo de su consciencia musical con la influencia de Tom McIntosh fuertemente sentida como productor. Moody toca tenor, alto y flauta, trabajando con un grupo realmente grande que incluye a Patti Bown en piano, Albert Heath en batería, Reggie Workman en bajo y Thad Jones en trompeta. El alcance del trabajo está mucho más allá de lo esperado, con una impresionante pista de funk temprano presentando una línea de órgano psicodélica. Remasterizado para 2024, este álbum representa uno para la colección de cualquier verdadero fanático del jazz. https://www.amazon.com/Running-Gamut-Legendary-Sessions-1963-1964/dp/B0DFZ582C3
Review by Stephen Thomas Erlewine Between 1965's Maiden Voyage and 1968's Speak Like a Child, Herbie Hancock was consumed with his duties as part of the Miles Davis Quintet, who happened to be at their creative and popular peak during those three years. When Hancock did return to a leadership position on Speak Like a Child, it was clear that he had assimilated not only the group's experiments, but also many ideas Miles initially sketched out with Gil Evans. Like Maiden Voyage, the album is laid-back, melodic, and quite beautiful, but there are noticeable differences between the two records. Hancock's melodies and themes have become simpler and more memorable, particularly on the title track, but that hasn't cut out room for improvisation. Instead, he has found a balance between accessible themes and searching improvisations that work a middle ground between post-bop and rock. Similarly, the horns and reeds are unconventional. He has selected three parts -- Thad Jones' flügelhorn, Peter Phillips' bass trombone, Jerry Dodgion's alto flute -- with unusual voicings, and he uses them for tonal texture and melodic statements, not solos. The rhythm section of bassist Ron Carter and drummer Mickey Roker keeps things light, subtle, and forever shifting, emphasizing the hybrid nature of Hancock's original compositions. But the key to Speak Like a Child is in Hancock's graceful, lyrical playing and compositions, which are lovely on the surface and provocative and challenging upon closer listening. https://www.allmusic.com/album/speak-like-a-child-mw0000188262
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Reseña por Stephen Thomas Erlewine Entre Maiden Voyage, de 1965, y Speak Like a Child, de 1968, Herbie Hancock estuvo consumido por sus obligaciones como miembro del Miles Davis Quintet, que se encontraba en su apogeo creativo y popular durante esos tres años. Cuando Hancock volvió a una posición de liderazgo en Speak Like a Child, estaba claro que había asimilado no sólo los experimentos del grupo, sino también muchas ideas que Miles esbozó inicialmente con Gil Evans. Al igual que Maiden Voyage, el álbum es relajado, melódico y bastante bello, pero hay diferencias notables entre los dos discos. Las melodías y los temas de Hancock se han vuelto más sencillos y memorables, sobre todo en la canción que da título al disco, pero eso no ha reducido el espacio para la improvisación. En su lugar, ha encontrado un equilibrio entre temas accesibles e improvisaciones de búsqueda que trabajan en un punto intermedio entre el post-bop y el rock. Del mismo modo, las trompas y las cañas son poco convencionales. Ha seleccionado tres partes -el flügelhorn de Thad Jones, el trombón bajo de Peter Phillips y la flauta contralto de Jerry Dodgion- con voicings inusuales, y las utiliza para la textura tonal y las declaraciones melódicas, no para los solos. La sección rítmica del bajista Ron Carter y el baterista Mickey Roker mantiene las cosas ligeras, sutiles y siempre cambiantes, enfatizando la naturaleza híbrida de las composiciones originales de Hancock. Pero la clave de Speak Like a Child está en la interpretación elegante y lírica de Hancock y en sus composiciones, que son encantadoras a primera vista y provocadoras y desafiantes cuando se escuchan con más detenimiento. https://www.allmusic.com/album/speak-like-a-child-mw0000188262
The portrait that emerges from this disc reveals a trombonist with excellent technique, a smooth, pungent percussive wit, dark and buttery tone, down home stomping and slyly musical humor; a pianist who ranges from a basic, solid, four-square attack to a delightfully airy way; a composer who is strongly conscious of the foundations of jazz; and an arranger who mainly writes with a heavy emphasis on a rolling swing, and occasionally blending it with impressionistic devices, but always with strength and simplicity.
In a revealing insight, Nat Hentoff considered that Brookmeyer has opened himself to jazz of all eras - He has absorbed, tested, and selected from the whole reservoir of autobiographies in sound that is the jazz language, those elements he felt relevant to his own experience in living and telling his history of jazz - He has not limited himself to any one era, school or attitude, preferring to filter all of jazz through his emotions rather than remain a parochial hipster.
Press reviews
"This interesting LP matches together valve trombonist Bob Brookmeyer with the slide trombone of Curtis Fuller - Four songs use a modern rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Paul Motian) while the other four have a strong Count Basie feel (with trumpeters Thad Jones and Joe Newman, pianist Hank Jones, bassist Ed Jones and drummer Charlie Persip making their presence felt) - Brookmeyer and Fuller display contrasting styles while blending together quite well on the ensembles." - Scott Yanow
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El retrato que surge de este disco revela a un trombonista con una excelente técnica, un ingenio percusivo suave y picante, un tono oscuro y mantecoso, un pisoteo casero y un humor musical socarrón; un pianista que va desde un ataque básico y sólido de cuatro cuadros hasta una forma deliciosamente aérea; un compositor que es muy consciente de los fundamentos del jazz; y un arreglista que escribe principalmente con un fuerte énfasis en un swing ondulante, y ocasionalmente mezclándolo con dispositivos impresionistas, pero siempre con fuerza y sencillez.
En una visión reveladora, Nat Hentoff consideró que Brookmeyer se ha abierto al jazz de todas las épocas - Ha absorbido, probado y seleccionado de toda la reserva de autobiografías en el sonido que es el lenguaje del jazz, aquellos elementos que sentía relevantes para su propia experiencia de vivir y contar su historia del jazz - No se ha limitado a una sola época, escuela o actitud, prefiriendo filtrar todo el jazz a través de sus emociones en lugar de seguir siendo un hipster pueblerino.
Reseñas de prensa
"Este interesante LP combina al trombón de válvula Bob Brookmeyer con el trombón de diapositivas de Curtis Fuller - Cuatro canciones utilizan una sección rítmica moderna (el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Paul Motian) mientras que las otras cuatro tienen un fuerte sentimiento de Count Basie (con los trompetistas Thad Jones y Joe Newman, el pianista Hank Jones, el bajista Ed Jones y el baterista Charlie Persip haciendo sentir su presencia) - Brookmeyer y Fuller muestran estilos contrastantes mientras se mezclan bastante bien en los conjuntos" - - Scott Yanow
Review from AllMusic (by Scott Yanow): Virtually all of McCoy Tyner's recordings are easily recommended and this CD has more variety than most of his Impulses. https://www.allmusic.com/album/today-and-tomorrow-mw0000264437
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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow): Virtualmente todas las grabaciones de McCoy Tyner son fácilmente recomendables y este CD tiene más variedad que la mayoría de sus Impulses. https://www.allmusic.com/album/today-and-tomorrow-mw0000264437
Review from AllMusic (by Jim Todd) - 4 Stars: What initially seems like an unlikely pairing for this session delivers on its unique pedigree with performances that do full justice to tenor legend Ben Webster and to the then up and coming pianist Joe Zawinul. Recorded in 1963 while the pianist was a member of the Cannonball Adderley Sextet, the session came about as a result of Webster's and Zawinul's sharing a New York apartment for several months. It's actually billed as Zawinul's first session as leader and Webster's last in the U.S. before his move to Europe. The tunes generally keep to mid-tempos, a pace that affords Webster the opportunity to wield the gentler side of his legendary sound. It may tend to the mellower side of things, but that simply means there's more opportunity to luxuriate in Webster's peerless sound. https://www.allmusic.com/album/soulmates-mw0000674693
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Lo que inicialmente parece una pareja improbable para esta sesión cumple con su pedigrí único con actuaciones que hacen plena justicia a la leyenda del saxo tenor Ben Webster y al entonces prometedor pianista Joe Zawinul. Grabada en 1963 mientras el pianista era miembro del Sexteto de Cannonball Adderley, la sesión surgió como resultado de que Webster y Zawinul compartieron un apartamento en Nueva York durante varios meses. En realidad se anuncia como la primera sesión de Zawinul como líder y la última de Webster en los Estados Unidos antes de su mudanza a Europa. Las melodías generalmente mantienen tempos medios, un ritmo que le permite a Webster ejercer el lado más suave de su legendario sonido. Puede tender al lado más meloso de las cosas, pero eso simplemente significa que hay más oportunidad para disfrutar del sonido incomparable de Webster. https://www.allmusic.com/album/soulmates-mw0000674693
Review by Scott Yanow Unlike
the original classic Blues and the Abstract Truth set from three years
earlier, Oliver Nelson does not play on this album. He did contribute
three of the eight originals and all of the arrangements but his
decision not to play is disappointing. However there are some strong
moments from such all-stars as trumpeter Thad Jones, altoist Phil Woods,
baritonist Pepper Adams, pianist Roger Kellaway and guest tenor Ben
Webster (who is on two songs). The emphasis is on blues-based pieces and
there are some strong moments even if the date falls short of its
predecessor. https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673
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Reseña por Scott Yanow A
diferencia del clásico original Blues and the Abstract Truth de tres
años antes, Oliver Nelson no toca en este álbum. Contribuyó con tres de
los ocho originales y todos los arreglos, pero su decisión de no tocar
es decepcionante. Sin embargo, hay algunos momentos fuertes de estrellas
como el trompetista Thad Jones, el contralto Phil Woods, el barítono
Pepper Adams, el pianista Roger Kellaway y el tenor invitado Ben Webster
(que está en dos canciones). El énfasis se pone en las piezas basadas
en el blues y hay algunos momentos fuertes, aunque la cita no esté a la
altura de su predecesor. https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673
John Coltrane Quartet: Ballads John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)
Sonny Rollins: On Impulse! Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)
Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)
Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)
Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)
John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)
The Thad Jones/Mel Lewis Big Band visited Scandinavia a couple of times and was a sensation. Later when Mel Lewis and Thad Jones had some difficulties Thad got an offer from the Danish Radio Big Band where his first season was (1977-78). Thad Jones wanted to play his own music and played as many as ten radio broadcasts per year at the Montmartre Club. At the same time he also started up his own big band, Eclipse, with his own repertoire, based at Jazzhus Slukefter in the Tivoli Garden. On this double CD you can hear both orchestras. There are many American musicians in the bands: Idrees Sulieman (tp) and Richard Boone (tb & vo) Tim Hagans (tp) Horace Parlan (p) Ed Thigpen (dr) Sahib Shihab (saxes) Emmanuel Rahim (congas) all living in Copenhagen at the time.
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La Thad Jones/Mel Lewis Big Band visitó Escandinavia un par de veces y fue una sensación. Más tarde, cuando Mel Lewis y Thad Jones tuvieron algunas dificultades, Thad recibió una oferta de la Danish Radio Big Band, donde estuvo su primera temporada (1977-78). Thad Jones quería tocar su propia música y tocó hasta diez veces al año en el Montmartre Club. Al mismo tiempo, creó su propia big band, Eclipse, con su propio repertorio, en el Jazzhus Slukefter del Tivoli Garden. En este doble CD se pueden escuchar ambas orquestas. Hay muchos músicos estadounidenses en las orquestas: Idrees Sulieman (tp) y Richard Boone (tb & vo) Tim Hagans (tp) Horace Parlan (p) Ed Thigpen (dr)
Review by Alex Henderson
In the late '50s and early '60s, Frank Wess had two careers. In addition
to being a star soloist in Count Basie's big band, the saxman/flutist
was recording some worthwhile albums as a leader. Wess had yet to leave
the Count's employ when, in 1963, he recorded Yo Ho! Poor You, Little
Me, which finds him leading a quintet that boasts Thad Jones on trumpet,
Gildo Mahones on piano, Buddy Catlett on bass, and Roy Haynes on drums.
For those who were used to hearing Wess in the Basie band, it was a
treat to hear him in a more intimate setting. A small group meant more
improvising and more stretching out, which is exactly what Wess and his
sidemen do on a lyrical performance of "Poor You" as well as up-tempo
Wess originals like "Cold Miner" and "Yo-Ho." Wess is heard on both
tenor sax and flute, although he doesn't play any alto sax on this set.
A nice one from Frank Wess – especially because he plays a bit of tenor,
which we always enjoy! Some tracks feature his usual soul jazz flute
stylings, but the tenor tracks are a bit meaner and leaner – with a very
nice groove. Thad Jones plays trumpet, and Gildo Mahones (always a
favorite!) plays piano. Roy Haynes is on drums, giving the whole thing a
nice light lyrical feel. Tracks are long – and titles include "The
Lizard", "Yo Ho", "Cold Miner", and "The Long Road".
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Reseña de Alex Henderson A finales de los 50 y principios de los 60, Frank Wess tenía dos carreras. Además de ser un solista estrella en la big band de Count Basie, el saxofonista/flautista estaba grabando algunos álbumes valiosos como líder. ¡Wess aún no había dejado de trabajar para Count cuando, en 1963, grabó Yo Ho! Poor You, Little Me, en el que se encuentra al frente de un quinteto que cuenta con Thad Jones a la trompeta, Gildo Mahones al piano, Buddy Catlett al bajo y Roy Haynes a la batería. Para los que estaban acostumbrados a escuchar a Wess en la banda de Basie, fue un placer escucharlo en un entorno más íntimo. Un grupo pequeño significa más improvisación y más estiramiento, que es exactamente lo que Wess y sus acompañantes hacen en una interpretación lírica de "Poor You", así como en originales de Wess de ritmo rápido como "Cold Miner" y "Yo-Ho". Wess toca tanto el saxo tenor como la flauta, aunque no toca ningún saxo alto en este disco.
Un buen trabajo de Frank Wess, sobre todo porque toca un poco el tenor, ¡que siempre nos gusta! Algunos temas cuentan con su habitual estilo de flauta de soul jazz, pero los temas de tenor son un poco más malos y más delgados, con un ritmo muy agradable. Thad Jones toca la trompeta, y Gildo Mahones (siempre un favorito) toca el piano. Roy Haynes está en la batería, dando al conjunto un agradable y ligero toque lírico. Las pistas son largas y los títulos incluyen "The Lizard", "Yo Ho", "Cold Miner" y "The Long Road".
Stanley William Turrentine (tenor saxophonist) was born on April 5, 1934 in Pittsburgh, Pennsylvania and passed away on September 12, 2000 in New York City.
Stanley came out of a musical family in Pittsburgh, his father Thomas played sax in Al Cooper’s Savoy Sultans in the 1930s, and he was Stanley’s first teacher when the boy took up the tenor sax at age 13.
Stanley credited his mother, a piano teacher, with instilling in him the bluesy feel he brought out so distinctively in his music. His brother, Tommy, six years his elder, was a trumpeter and underrated composer who served stints in the big bands of Billy Eckstine, Dizzy Gillespie, Count Basie and Benny Carter. He gave Stanley his first job at age 16 in one of the small groups he led in Pittsburgh.
Upon graduating from high school in 1951, Stanley joined the Lowell Fulson band, which then included a young Ray Charles, who Turrentine considered a great influence. Turrentine left the Fulson band to join Charles’s first band. In 1953, Turrentine moved to Cleveland with brother Tommy to work in Tadd Dameron’s group. The following year, Stanley replaced John Coltrane in Earl Bostic’s group, and brother Tommy joined several weeks later. Stanley then joined the army where he played in the 158th Army Band, known as “Uncle Sam’s All Stars.”
In March of 1959, Stanley joined Tommy once again in drummer Max Roach’s quintet, where the pair began to attract attention. While his major influences – Don Byas, Ben Webster, Illinois Jacquet, Lester Young, Coleman Hawkins and Sonny Rollins – can all be heard in his playing, there was no mistaking him for anyone else when he started to wail.
This edition of the Max Roach Quintet, in its fourteen months together, made many recordings under Roach’s name, a date for Roach’s then-wife Abbey Lincoln, and the solo recording debuts on Time Records: Stan “The Man” Turrentine and Tommy Turrentine, respectively.
Stanley’s prominence in the Max Roach group brought him to the attention of Blue Note’s Alfred Lion, who was immediately drawn to Stanley’s ability to blend a big, soulful tenor sound with contemporary jazz concepts. Lion brought Turrentine to Blue Note in 1960, and immediately set about a dizzying spell of recordings, starting with two exceptionally fine Jimmy Smith sets in 1960, Midnight Special and Back At The Chicken Shack in 1960.
Turrentine recorded the first of his many albums as a leader for Blue Note, Look Out!, in1960. This debut featured the tenor player fronting pianist Horace Parlan’s magnificent trio, with George Tucker on bass and Al Harewood on drums. This memorable lineup can be heard on the track “Someone to Watch Over Me.”
Parlan and Turrentine had known each other since high school days in Pittsburgh, and the two made a potent musical team, brimming with a distinctive energy. They went on to record Up At “Minton’s” with Grant Green, and Comin’ Your Way with Tommy Turrentine, which was intended to be Stanley’s third album for Blue Note, but was not issued until the 1970s.
The pair can also be heard two of Parlan’s Blue Note albums Speakin’ My Piece and On The Spur Of The Moment. There are many fine performances on these albums, where all concerned dig deep into a bluesy bag of bop and gospel grooves: “Minor Chant” from Look Out!, “Thomasville” from Comin’ Your Way and “Stanley’s Time,” “Broadway,” “Later At Minton’s,” and “Come Rain Or Come Shine,” from Up At “Minton’s”.
Blue Note placed Turrentine in many interesting and ultimately satisfying settings, and he recorded prolifically, notably on Blue Hour from1960 with The Three Sounds. Also not to miss are Turrentine’s second Blue Note album from 1962, That’s Where It’s At with Les McCann, Jubilee Shout!!!, with Kenny Burrell and Sonny Clarke, also recorded in 1962 but first issued in 1978, guitarist Kenny Burrell’s superior album Midnight Blue from 1963, and Easy Walker with McCoy Tyner in 1966.
But it was organist Shirley Scott, also Turrentine’s wife at this time, who was his most formidable musical partner. The pair recorded 14 albums between 1961 and 1968 for the Blue Note, Prestige, Impulse! and Atlantic labels. Six of these appeared under his name, such as the 1968 album for Blue Note Common Touch, which includes the track “Buster Brown.”
Turrentine is in particularly fine form on these recordings. Indeed, one could argue, they capture the quintessence of his style, and the way audiences heard him live during the 1960s. It’s very clear that as musicians, the pair shared a special rapport. Turrentine, at home in most any environment, was extremely well-suited to Ms. Scott’s deft, lightly orchestral touch on organ as well as she was to Turrentine’s finely-woven, soulfully integrated story-like lines.
The best of these recordings, Let It Go for Impulse in 1966, is a perfect mix of bluesy, and gospel-tinged originals. The title track is an early imprint for Turrentine’s later hit “Sugar,” and the balance of the cuts are soulful standards and unfailingly foot-tapping takes on current pop hits.
On every one of his albums with Scott, Turrentine’s bluesy originals are the highlights: the rip-roaring “Soul Shoutin’” from the album of the same name, the after-hours glow of “The Soul Is Willing,” also a title track, the swinging minor-key blues, “The Hustler” from Hustlin’ and the seductive Latinate “Shirley” from Everybody Loves A Lover. Their covers are almost always worth hearing too: “Trouble,” released on both Never Let Me Go and Hustlin’, “Grand Street” from Blue Flames, “God Bless The Child” from Never Let Me Go, “Sent For You Yesterday” from Everybody Loves A Lover and even Bob Dylan’s “Blowin’ In The Wind” on both Common Touch and Soul Song.
As the 1960s progressed, Turrentine recorded in other Blue Note ensembles, mostly in larger settings arranged by Oliver Nelson, such as Joyride from 1965, Duke Pearson’s Rough ‘N’ Tumble and The Spoiler in 1966; A Bluish Bag, and The Return Of The Prodigal Son in 1967. He can also be heard on Thad Jones’s The Look Of Love from 1968, Always Something There from 1968 and a final quintet session Another Story, from 1969 with Thad Jones and Cedar Walton.
Turrentine signed on to Creed Taylor’s newly independent CTI label in 1970 and scored their very first hit with “Sugar,” a modal minor-key blues which first paired him with another former Blue Note star, Freddie Hubbard. “The Sugar Man,” as Turrentine became known in the wake of this success, and Hubbard played together often in the early 1970s, as part of each other’s groups and as part of the CTI All Stars, which began tours in 1971.
CTI afforded Turrentine a great deal of artistic freedom, and provided him with first-call players and featured him in more classy settings. No longer a marginalized chitlin circuit player, he was now a jazz star, recording for the decade’s premier label. Turrentine headlined six albums for the label between 1970 and 1973, and can also be heard on an album of outtakes and five all-star sessions. These include Cherry from 1972 with Milt Jackson, and the magnificent Don’t Mess With Mister T. from 1973, his next hit, which featured contributions and superlative arrangements from Bob James. The title song, from Marvin Gaye’s score to the film Trouble Man, earned him his most enduring nickname, Mister T., years before it was usurped by the gold chain-loving actor.
Seeking greater flexibility in his career, Turrentine switched to the Fantasy label in 1974 and immediately scored his next radio hit with Michel Legrand’s “Pieces of Dreams,” the title theme to a 1970 film. But even though the tenor player had finally earned full control of his music, most of the eight albums he recorded for Fantasy through 1980 were overly orchestrated by either Gene Page or Wade Marcus, and more commercial than anything he did while with CTI.
Turrentine’s playing is never less than interesting, but neither he nor his settings during this period rise above the merely listenable. Notable exceptions include the outstanding 1977 albums Nightwings and West Side Highway albums, which paired him with arranger Claus Ogerman and a large group of New York’s first-rate studio session stars. Listeners can only imagine what a master recordist like Rudy Van Gelder might have made of the talent on these sessions.
Turrentine’s subsequent switch to Elektra Records hardly improved matters, as they heralded his turn towards pop music from jazz. “I just want lots of people to hear my music,” Turrentine said at the time. “I want to make records that will sell – to everybody.”
urrentine recorded four interesting, if rather unremarkable, albums for the label between 1979 and 1982, increasingly allowing the production to take over. The second of these,Inflation from 1980, is perhaps the best, providing two decent Turrentine originals, the title track and “Is It You,” and some rather good interplay with pianist Cedar Walton. But alas, the album produced no hits.
When jazz tastes and sales began changing in the early 1980s, Turrentine’s recording pace slowed considerably. But while the chitlin circuit had long ago disappeared, the saxophonist continued to perform vigilantly in clubs throughout the world in relatively straight-ahead combos and in all-star groups at large halls and on the concert stage.
Turrentine returned to Blue Note in 1984 to record three quite interesting records. The first of these,Straight Ahead in 1984, was his first organ-combo record in fifteen years, featuring Jimmy Smith and George Benson on some tracks; Wonderland from 1986 was a tribute to the music of Stevie Wonder; and La Place from 1989 was an homage to the Hill District street in Pittsburgh where Turrentine grew up, a continuation of his more fusion-oriented aims. While fusion had begun evolving into what is now known as “smooth jazz,” Turrentine’s title feature here, “La Place Street,” is a particular highlight of this period; a forceful reminder of the clever blues constructs he could maneuver in his inimitable way.
In the 90s, Stanley Turrentine made three above-average and terribly underrated albums for the MusicMasters label: More Than A Mood in 1992), a straight-ahead date featuring all-stars Freddie Hubbard, Cedar Walton, Ron Carter and Billy Higgins. The album includes covers of several of his Blue Note-era performances, a straight jazz re-take of “Pieces of Dreams” and an exceptional cover of Roland Kirk’s “Spirits Up Above.”
1993′s If I Could, with Hubert Laws, Roland Hanna, Ron Carter, Grady Tate and Don Sebesky’s light-as-air arrangements sounds like a CTI session that never was, and features a brilliant performance by Tommy Turrentine on “June Bug.” T Time from 1995 features three CTI-era remakes and two La Place retakes, with exceptional support from keyboardist Kenny Drew, Jr., guitarist Dave Stryker and bassist and fellow Pittsburgh native Dwayne Dolphin, a member of Three Of A Kind.
Now an elder statesman in jazz, Turrentine resumed guesting with other jazz acts, in concert and on record, something he hadn’t done since the early 1970s. This time, though, he was the guest star rather than merely a sideman. The most notable of these appearances are pianist Gene Harris’s The Gene Harris Trio Plus One for Concord in 1985 and Three Of A Kind Meet Mister T on Minor Music in 1994.
These musicians formed the basis of Turrentine’s working group at the time. He also made guest appearances on albums by Jimmy Smith, David “Fathead” Newman, Joe McBride, Billy Taylor, Roy Hargrove, Benny Green and fellow Pittsburgher Ahmad Jamal, who as a child, practiced on Stanley’s mother’s piano.
It should also be mentioned that Stanley Turrentine was an exceptional accompanist for vocalists and was often recorded in the company of such talented singers as Abbey Lincoln (1960, 1992), Gloria Lynne (1970), Astrud Gilberto (1971), Dianne Reeves (1981), Irene Cara (1982), Freddie Jackson (1985), Will Downing (1988), Lou Rawls (1989), Jean Carn (1989), Jon Hendricks (1990), Tramaine Hawkins (1990), Georgie Fame (1992), Diana Krall (1994), Marlene Shaw (1997) and Oscar Brown, Jr. (1998).
Turrentine had by this time relocated with his wife Judith to Fort Washington, Maryland, and was frequently heard in and around Washington, DC. He often performed at Georgetown’s legendary Blues Alley club and recorded a live album there in 1991). After some sort of falling out with the reconstructed Impulse! Label, for whom he recorded only one album in 1966, Turrentine issued his final disc, Do You Have Any Sugar, on the Concord label in 2000. Shortly thereafter, he suffered a stroke in New York City which hastened his death at age 66 on September 12 of that year. https://stanleyturrentine.jazzgiants.net/biography/
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Stanley William Turrentine (saxofonista tenor) nació el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, Pensilvania y falleció el 12 de septiembre de 2000 en la ciudad de Nueva York.
Stanley provenía de una familia musical en Pittsburgh, su padre Thomas tocaba el saxo en Savoy Sultans de Al Cooper en la década de 1930, y fue el primer maestro de Stanley cuando el niño tomó el saxo tenor a los 13 años.
Stanley le dio crédito a su madre, profesora de piano, por inculcarle la sensación de blues que tan distintivamente aportó a su música. Su hermano, Tommy, seis años mayor que él, era trompetista y compositor subestimado que formó parte de las grandes bandas de Billy Eckstine, Dizzy Gillespie, Count Basie y Benny Carter. Le dio a Stanley su primer trabajo a los 16 años en uno de los pequeños grupos que dirigía en Pittsburgh.
Al graduarse de la escuela secundaria en 1951, Stanley se unió a la Lowell Fulson band, que luego incluía a un joven Ray Charles, a quien Turrentine consideraba una gran influencia. Turrentine dejó la Fulson Band para unirse a la primera banda de Charles. En 1953, Turrentine se mudó a Cleveland con su hermano Tommy para trabajar en el grupo de Tadd Dameron. Al año siguiente, Stanley reemplazó a John Coltrane en el grupo de Earl Bostic, y su hermano Tommy se unió varias semanas después. Stanley luego se unió al ejército, donde tocó en la 158ª banda del Ejército, conocida como "Uncle Sam's All Stars".”
En marzo de 1959, Stanley se unió a Tommy una vez más en el quinteto del baterista Max Roach, donde la pareja comenzó a llamar la atención. Si bien sus principales influencias, Don Byas, Ben Webster, Illinois Jacquet, Lester Young, Coleman Hawkins y Sonny Rollins, se pueden escuchar en su forma de tocar, no lo confundieron con nadie más cuando comenzó a llorar.
Esta edición del Quinteto Max Roach, en sus catorce meses juntos, realizó muchas grabaciones bajo el nombre de Roach, una fecha para la entonces esposa de Roach, Abbey Lincoln, y la grabación en solitario debuta en Time Records: Stan" The Man " Turrentine y Tommy Turrentine, respectivamente.
La prominencia de Stanley en el grupo Max Roach le llamó la atención de Alfred Lion de Blue Note, quien inmediatamente se sintió atraído por la capacidad de Stanley de combinar un sonido de tenor grande y conmovedor con conceptos de jazz contemporáneo. Lion llevó Turrentine a Blue Note en 1960, e inmediatamente inició una vertiginosa serie de grabaciones, comenzando con dos sets excepcionalmente finos de Jimmy Smith en 1960, Midnight Special y Back At The Chicken Shack en 1960.
Turrentine grabó el primero de sus muchos álbumes como líder de Blue Note, ¡Cuidado!, en 1960. Este debut contó con el tenor al frente del magnífico trío del pianista Horace Parlan, con George Tucker al bajo y Al Harewood a la batería. Esta formación memorable se puede escuchar en la canción "Someone to Watch Over Me.”
Parlan y Turrentine se conocían desde los días de secundaria en Pittsburgh, y los dos formaban un potente equipo musical, rebosante de una energía distintiva. Luego grabaron Up At "Minton's" con Grant Green y Comin ' Your Way con Tommy Turrentine, que estaba destinado a ser el tercer álbum de Stanley para Blue Note, pero no se publicó hasta la década de 1970.
La pareja también se puede escuchar en dos de los álbumes de Blue Note de Parlan Speakin ' My Piece y On The Spur Of The Moment. Hay muchas buenas interpretaciones en estos álbumes, donde todos los interesados profundizan en una bolsa de blues con ritmos bop y gospel: "Minor Chant" de Look Out!, "Thomasville" de Comin ' Your Way y "Stanley Time", "Broadway", "Later At Minton's" y "Come Rain Or Come Shine", de Up At "Minton's".
Blue Note colocó a Turrentine en muchos escenarios interesantes y, en última instancia, satisfactorios, y grabó prolíficamente, especialmente en Blue Hour de 1960 con The Three Sounds. Tampoco se puede perder el segundo álbum de Blue Note de Turrentine de 1962, That's Where It's At with Les McCann, Jubilee Shout!!!, con Kenny Burrell y Sonny Clarke, también grabado en 1962 pero publicado por primera vez en 1978, el álbum superior del guitarrista Kenny Burrell Midnight Blue de 1963 y Easy Walker con McCoy Tyner en 1966.
Pero fue la organista Shirley Scott, también esposa de Turrentine en ese momento, su compañera musical más formidable. La pareja grabó 14 álbumes entre 1961 y 1968 para Blue Note, Prestige, Impulse! y etiquetas atlánticas. Seis de estos aparecieron bajo su nombre, como el álbum de 1968 de Blue Note Common Touch, que incluye la pista "Buster Brown.”
La turrentina se encuentra en una forma particularmente fina en estas grabaciones. De hecho, se podría argumentar, capturan la quintaesencia de su estilo y la forma en que el público lo escuchó en vivo durante la década de 1960. Está muy claro que, como músicos, la pareja compartió una relación especial. Turrentine, en casa en la mayoría de los entornos, se adaptaba extremadamente bien al toque hábil y ligeramente orquestal de la Sra. Scott en el órgano, así como a las líneas narrativas finamente tejidas y conmovedoramente integradas de Turrentine.
La mejor de estas grabaciones, Let It Go for Impulse en 1966, es una mezcla perfecta de blues y originales teñidos de gospel. La canción principal es una huella temprana del éxito posterior de Turrentine, "Sugar", y el resto de los cortes son estándares conmovedores y tomas infalibles de éxitos pop actuales.
En cada uno de sus álbumes con Scott, los originales de blues de Turrentine son lo más destacado: el estruendoso "Soul Shoutin '" del álbum del mismo nombre, el resplandor fuera de horario de "The Soul Is Willing", también una canción principal, el blues oscilante de tonalidad menor, "The Hustler " de Hustlin' y la seductora latina" Shirley " de Everybody Loves A Lover. También vale la pena escuchar sus versiones: "Trouble", lanzada en Never Let Me Go y Hustlin', "Grand Street" de Blue Flames, "God Bless The Child" de Never Let Me Go," Sent For You Yesterday " de Everybody Loves A Lover e incluso "Blowin' In The Wind" de Bob Dylan tanto en Common Touch como en Soul Song.
A medida que avanzaba la década de 1960, Turrentine grabó en otros conjuntos de Blue Note, principalmente en escenarios más grandes organizados por Oliver Nelson, como Joyride de 1965, Rough 'N' Tumble de Duke Pearson y The Spoiler en 1966; A Bluish Bag y The Return Of The Prodigal Son en 1967. También se le puede escuchar en The Look Of Love de Thad Jones de 1968, Always Something There de 1968 y en una sesión final de quinteto Another Story, de 1969 con Thad Jones y Cedar Walton.
Turrentine firmó con el nuevo sello independiente CTI de Creed Taylor en 1970 y obtuvo su primer éxito con "Sugar", un blues modal de tonalidad menor que lo emparejó por primera vez con otra ex estrella de Blue Note, Freddie Hubbard. "The Sugar Man", como Turrentine se hizo conocido a raíz de este éxito, y Hubbard tocaron juntos a menudo a principios de la década de 1970, como parte de los grupos de los demás y como parte de CTI All Stars, que comenzaron las giras en 1971.
CTI le dio a Turrentine una gran libertad artística, le proporcionó jugadores de primera llamada y lo presentó en entornos más elegantes. Ya no era un jugador marginado del circuito chitlin, ahora era una estrella del jazz, grabando para el sello más importante de la década. Turrentine encabezó seis álbumes para el sello entre 1970 y 1973, y también se puede escuchar en un álbum de tomas descartadas y cinco sesiones de estrellas. Estos incluyen Cherry de 1972 con Milt Jackson y el magnífico Don't Mess With Mister T. de 1973, su siguiente éxito, que contó con contribuciones y arreglos superlativos de Bob James. La canción principal, desde la partitura de Marvin Gaye hasta la película Trouble Man, le valió su apodo más perdurable, Mister T., años antes de que fuera usurpado por el actor amante de la cadena de oro.
Buscando una mayor flexibilidad en su carrera, Turrentine se cambió al sello Fantasy en 1974 e inmediatamente obtuvo su siguiente éxito radiofónico con "Pieces of Dreams" de Michel Legrand, el tema principal de una película de 1970. Pero a pesar de que el tenor finalmente se había ganado el control total de su música, la mayoría de los ocho álbumes que grabó para Fantasy hasta 1980 fueron demasiado orquestados por Gene Page o Wade Marcus, y más comerciales que cualquier cosa que hizo mientras estuvo con CTI.
La interpretación de Turrentine nunca deja de ser interesante, pero ni él ni su configuración durante este período superan lo meramente escuchable. Las excepciones notables incluyen los destacados álbumes Nightwings y West Side Highway de 1977, que lo emparejaron con el arreglista Claus Ogerman y un gran grupo de estrellas de sesiones de estudio de primer nivel de Nueva York. Los oyentes solo pueden imaginar lo que un maestro de la grabación como Rudy Van Gelder podría haber hecho con el talento de estas sesiones.
El cambio posterior de Turrentine a Elektra Records apenas mejoró las cosas, ya que anunciaron su giro hacia la música pop desde el jazz. "Solo quiero que mucha gente escuche mi música", dijo Turrentine en ese momento. "Quiero hacer discos que se vendan a todo el mundo.”
Turrentine grabó cuatro álbumes interesantes, aunque poco destacables, para el sello entre 1979 y 1982, lo que permitió que la producción se hiciera cargo cada vez más. El segundo de ellos,Inflation de 1980, es quizás el mejor, ya que ofrece dos originales turrentinos decentes, la canción principal y "Is It You", y una interacción bastante buena con el pianista Cedar Walton. Pero, por desgracia, el álbum no produjo éxitos.
Cuando los gustos y las ventas del jazz comenzaron a cambiar a principios de la década de 1980, el ritmo de grabación de Turrentine se desaceleró considerablemente. Pero aunque el circuito de chitlin había desaparecido hacía mucho tiempo, el saxofonista continuó actuando vigilante en clubes de todo el mundo en combos relativamente directos y en grupos de estrellas en grandes salas y en el escenario de conciertos.
Turrentine volvió a Blue Note en 1984 para grabar tres discos bastante interesantes. El primero de ellos,Straight Ahead en 1984, fue su primer disco de combo de órgano en quince años, con Jimmy Smith y George Benson en algunas pistas; Wonderland de 1986 fue un tributo a la música de Stevie Wonder; y La Place de 1989 fue un homenaje a Hill District street en Pittsburgh, donde creció Turrentine, una continuación de sus objetivos más orientados a la fusión. Si bien la fusión había comenzado a evolucionar hacia lo que ahora se conoce como "jazz suave", la característica principal de Turrentine aquí, "La Place Street", es un punto culminante particular de este período; un recordatorio contundente de las ingeniosas construcciones de blues que podía maniobrar a su manera inimitable.
En los 90, Stanley Turrentine hizo tres álbumes por encima de la media y terriblemente subestimados para el sello MusicMasters: More Than A Mood en 1992), una cita directa con las estrellas Freddie Hubbard, Cedar Walton, Ron Carter y Billy Higgins. El álbum incluye versiones de varias de sus actuaciones de la era Blue Note, una versión de jazz directo de "Pieces of Dreams" y una versión excepcional de "Spirits Up Above" de Roland Kirk.”
If I Could de 1993, con los arreglos ligeros de Hubert Laws, Roland Hanna, Ron Carter, Grady Tate y Don Sebesky, suena como una sesión de CTI que nunca lo fue, y presenta una brillante actuación de Tommy Turrentine en "June Bug."T Time de 1995 presenta tres remakes de la era CTI y dos repeticiones de La Place, con el apoyo excepcional del tecladista Kenny Drew, Jr., el guitarrista Dave Stryker y el bajista y compañero nativo de Pittsburgh Dwayne Dolphin, miembro de Three Of A Kind.
Turrentine, ahora un veterano estadista del jazz, volvió a actuar como invitado con otros actos de jazz, en concierto y en disco, algo que no había hecho desde principios de la década de 1970.Esta vez, sin embargo, fue la estrella invitada en lugar de simplemente un acompañante. Las apariciones más notables de estas son The Gene Harris Trio Plus One del pianista Gene Harris para Concord en 1985 y Three Of A Kind Meet Mister T en Minor Music en 1994.
Estos músicos formaron la base del grupo de trabajo de Turrentine en ese momento. También hizo apariciones especiales en álbumes de Jimmy Smith, David "Fathead" Newman, Joe McBride, Billy Taylor, Roy Hargrove, Benny Green y su compatriota de Pittsburgh Ahmad Jamal, quien de niño practicaba en el piano de la madre de Stanley.
También cabe mencionar que Stanley Turrentine fue un acompañante excepcional para vocalistas y a menudo fue grabado en compañía de cantantes tan talentosos como Abbey Lincoln (1960, 1992), Gloria Lynne (1970), Astrud Gilberto (1971), Dianne Reeves (1981), Irene Cara (1982), Freddie Jackson (1985), Will Downing (1988), Lou Rawls (1989), Jean Carn (1989), Jon Hendricks (1990), Tramaine Hawkins (1990), Georgie Fame (1992), Diana Krall (1994), Marlene Shaw (1997) y Oscar Brown, Jr. (1998).
Para entonces, Turrentine se había mudado con su esposa Judith a Fort Washington, Maryland, y se escuchaba con frecuencia en Washington, DC y sus alrededores. A menudo actuaba en el legendario Blues Alley club de Georgetown y grabó un álbum en vivo allí en 1991). ¡Después de algún tipo de pelea con el Impulso reconstruido! Sello discográfico, para quien grabó solo un álbum en 1966, Turrentine publicó su último disco, Do You Have Any Sugar, en el sello Concord en 2000. Poco después, sufrió un derrame cerebral en la ciudad de Nueva York que aceleró su muerte a los 66 años el 12 de septiembre de ese año.https://stanleyturrentine. jazzgiants. net/biografía/
Classic Prestige jam session from the late 50's, with Thad Jones on trumpet, Frank Wess on tenor and flute, Teddy Charles on vibes, Mal Waldron on piano, Doug Watkins on bass, and Elvin Jones on drums. Charles is amazing, as he is on all of his Prestige recordings, and he plays with a dark edge that you seldom hear from other vibists at the time. Waldron's the great unsung hero of these sessions, as his playing and compositions are consistently remarkable, and which provide great accompaniment for the horn players. Tracks include the fantastic "Dakar", plus "Touche", "Blues Without Woe", and "Potpourri". 1965 repackaging of the Olio album from the 50s with a different title and cover. https://www.dustygroove.com/item/467870/Frank-Wess-with-Thad-Jones:Touche-aka-Olio
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Clásica jam session de prestigio de finales de los 50, con Thad Jones a la trompeta, Frank Wess al tenor y flauta, Teddy Charles a las vibraciones, Mal Waldron al piano, Doug Watkins al bajo y Elvin Jones a la batería. Charles es increíble, como lo es en todas sus grabaciones de Prestigio, y toca con un toque oscuro que rara vez escuchas de otros vibistas en ese momento. Waldron es el gran héroe anónimo de estas sesiones, ya que su forma de tocar y sus composiciones son consistentemente notables y brindan un gran acompañamiento a los trompistas.
Las pistas incluyen el fantástico "Dakar", más "Touche", "Blues Without Woe "y"Popurrí". 1965 fue reempaquetado del álbum Olio de los años 50 con un título y portada diferentes. https://www.dustygroove.com/item/467870/Frank-Wess-with-Thad-Jones:Touche-aka-Olio
Bill
Basie studied music with his mother as a child and played piano in
early childhood. He picked up the basics of early ragtime from some of
the great Harlem pianists and studied organ informally with Fats Waller.
He made his professional debut as an accompanist for vaudeville acts
and replaced Waller in an act called Katie Crippen and her Kids. He also
worked with June Clark and Sonny Greer who was later to become Duke
Ellington’s drummer.
It was while traveling with the Gonzel White
vaudeville show that Basie became stranded in Kansas City when the
outfit suddenly broke up. He played at a silent movie house for a while
and then became a member of the Walter Page Blue Devils in 1928 and ’29.
Included in the ranks of the Blue Devils was a blues shouter who was
later to play a key role as early male vocalist with Basie’s own big
band, Jimmy Rushing. It was in fact the rotund Rushing who happened to
hear Basie playing in Kansas City and invited him to attend a Blue
Devil's performance. Basie soon joined the band after sitting in with
them that night.
After Page's Blue Devils broke up Count Basie
and some of the other band members integrated into the Bennie Moten
band. He remained with Moten until his death in 1935. After Moten’s
death the band continued under the leadership of Bennie’s brother
Buster, but Basie started a group of his own and soon found a steady gig
at the Reno Club in Kansas City employing some of the best personnel
from the Moten band himself.
The band gradually built up in
quantity and quality of personnel and was broadcast live regularly from
the club by a small Kansas City radio station. It was during one of
these broadcasts that the group was heard by John Hammond, a wealthy
jazz aficionado, who had himself worked as an announcer, disc jockey and
producer of a live jazz show on radio. Hammond decided that the band
must go to New York. Through his efforts and support (at times even
financially) the band enlarged its membership further and went to New
York in 1936. Hammond installed Willard Alexander as the band’s manager
and in January of 1937 the Count Basie band made its first recording
with the Decca record label.
By the following year the Basie big
band had become internationally famous, anchored by the leader’s simple
and sparse piano style and the rhythm section of Freddie Greene guitar,
Walter Page bass, and Jo Jones drums. The great soloists of this band
included Jimmy Rushing as vocalist, Lester Young and Herschel Evans
tenor saxes, Earl Warren on alto, Buck Clayton and Harry “Sweets” Edison
on trumpets, and Benny Morton and Dickie Wells on trombones, among
others. Also contributing to the bands success were the arrangements by
Eddie Durham and others in the band and the “head” arrangements
spontaneously developed by the group.
Despite the occasional
losses of key soloists, throughout the 1940’s Basie maintained a big
band that possessed an infectious rhythmic beat, an enthusiastic team
spirit, and a long list of inspired and talented jazz soloists. Among
the long line of budding stars to pass through the Basie aggregation's
ranks during these years were tenor men, Lester Young, Herschel Evans,
Don Byas, Buddy Tate, Lucky Thompson, Illinois Jacquet, and Paul
Gonsalves. On trumpets the list includes Buck Clayton, Harry "Sweets"
Edison, Joe Newman, and Emmett Berry. In the trombone section Dickie
Wells, Benny Morton, Vic Dickenson, and J.J. Johnson all had stints with
Basie in the 40’s.
Except for a period in 1950 and ’51, when
economic conditions forced him to tour with a septet, Basie maintained a
highly swinging big band that, at one time or another, included Clark
Terry, Wardell Gray, Al Grey, Frank Wess, Frank Foster, Thad Jones,
Sonny Payne, Joe Wilder, Benny Powell, and Henry Coker. In 1954 Joe
Williams became the band's full time male vocalist. By 1955 he had
infused the Basie band with new life and further commercial success
beginning with Every Day I Have The Blues. Also during this period
arrangers Neal Hefti and Ernie Wilkins contributed many fine swinging
arrangements to the band's book. These great men of music coupled with
Basie’s undying allegiance to the beat and the 12 bar blues allowed the
band to consistently turn out records of extremely high caliber well
into even the 1970’s.
Count Basie's health began deteriorating in
1976 when he suffered a heart attack that put him out of commission for
several months. Following another stay in the hospital in 1981 he began
appearing on stage driving an electric wheel chair. Count Basie died of
cancer at 79.
Along with a number of Grammy awards the Count and
his big bands won the following Jazz polls: Esquire’s Silver Award in
1945; Down Beat reader’s poll in 1955, ’57-’59; Metronome Poll ’58-’60;
Down Beat Critics Poll ’54-’57; Playboy All Stars’ All Stars ’59. As
pianist Basie won the Metronome Poll in ’42-’43. In 1958 Count Basie was
elected to the Down Beat Hall Of Fame.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/count-basie/
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Bill
Basie estudió música con su madre de niño y tocó el piano en su primera
infancia. Aprendió los fundamentos del ragtime de algunos de los
grandes pianistas de Harlem y estudió órgano de manera informal con Fats
Waller. Debutó profesionalmente como acompañante de números de vodevil y
sustituyó a Waller en un número llamado Katie Crippen and her Kids.
También trabajó con June Clark y Sonny Greer, que más tarde se
convertiría en el batería de Duke Ellington.
Mientras viajaba con
el espectáculo de vodevil de Gonzel White, Basie se quedó tirado en
Kansas City cuando el grupo se disolvió repentinamente. Tocó en un cine
mudo durante un tiempo y luego se convirtió en miembro de los Walter
Page Blue Devils en 1928 y 1929. En las filas de los Blue Devils se
encontraba un cantante de blues que más tarde desempeñaría un papel
clave como vocalista masculino en la big band de Basie, Jimmy Rushing.
De hecho, fue el corpulento Rushing quien oyó tocar a Basie en Kansas
City y le invitó a asistir a una actuación de los Blue Devils. Basie no
tardó en unirse a la banda tras sentarse con ellos aquella noche.
Tras
la disolución de los Blue Devils de Page, Count Basie y algunos de los
demás miembros de la banda se integraron en la banda de Bennie Moten.
Permaneció con Moten hasta su muerte en 1935. Tras la muerte de Moten,
la banda continuó bajo la dirección de Buster, el hermano de Bennie,
pero Basie fundó su propio grupo y pronto consiguió una actuación
estable en el Reno Club de Kansas City empleando a algunos de los
mejores miembros de la banda de Moten.
La banda fue creciendo
gradualmente en cantidad y calidad de personal y una pequeña emisora de
radio de Kansas City emitía regularmente en directo desde el club. Fue
durante una de estas emisiones cuando el grupo fue escuchado por John
Hammond, un acaudalado aficionado al jazz, que había trabajado como
locutor, disc jockey y productor de un programa de jazz en directo por
radio. Hammond decidió que el grupo debía ir a Nueva York. Gracias a sus
esfuerzos y a su apoyo (a veces incluso financiero), la banda aumentó
el número de miembros y viajó a Nueva York en 1936. Hammond nombró a
Willard Alexander mánager de la banda y en enero de 1937 la banda de
Count Basie realizó su primera grabación con el sello discográfico
Decca.
Al año siguiente, la big band de Basie se había hecho
famosa internacionalmente, anclada en el estilo de piano sencillo y
escaso del líder y la sección rítmica de Freddie Greene a la guitarra,
Walter Page al bajo y Jo Jones a la batería. Entre los grandes solistas
de esta banda se encontraban Jimmy Rushing como vocalista, Lester Young y
Herschel Evans saxos tenores, Earl Warren en el alto, Buck Clayton y
Harry «Sweets» Edison en las trompetas, y Benny Morton y Dickie Wells en
los trombones, entre otros. También contribuyeron al éxito de la banda
los arreglos de Eddie Durham y otros miembros de la banda y los arreglos
«de cabeza» desarrollados espontáneamente por el grupo.
A pesar
de las ocasionales pérdidas de solistas clave, a lo largo de la década
de 1940 Basie mantuvo una big band que poseía un ritmo contagioso, un
entusiasta espíritu de equipo y una larga lista de inspirados y
talentosos solistas de jazz. Entre la larga lista de estrellas en
ciernes que pasaron por las filas de la formación de Basie durante estos
años se encontraban los tenores Lester Young, Herschel Evans, Don Byas,
Buddy Tate, Lucky Thompson, Illinois Jacquet y Paul Gonsalves. En
trompetas la lista incluye a Buck Clayton, Harry «Sweets» Edison, Joe
Newman y Emmett Berry. En la sección de trombones, Dickie Wells, Benny
Morton, Vic Dickenson y J.J. Johnson tocaron con Basie en los años
cuarenta.
Excepto durante un periodo en 1950 y 51, cuando las
condiciones económicas le obligaron a salir de gira con un septeto,
Basie mantuvo una big band con mucho swing que, en un momento u otro,
incluía a Clark Terry, Wardell Gray, Al Grey, Frank Wess, Frank Foster,
Thad Jones, Sonny Payne, Joe Wilder, Benny Powell y Henry Coker. En 1954
Joe Williams se convirtió en el vocalista masculino a tiempo completo
de la banda. En 1955 había infundido a la banda de Basie nueva vida y un
mayor éxito comercial a partir de Every Day I Have The Blues. También
durante este periodo, los arreglistas Neal Hefti y Ernie Wilkins
contribuyeron con muchos arreglos de swing al repertorio de la banda.
Estos grandes hombres de la música, junto con la lealtad eterna de Basie
al ritmo y al blues de 12 compases, permitieron a la banda producir
constantemente discos de altísimo calibre hasta bien entrada la década
de 1970.
La salud de Count Basie empezó a deteriorarse en 1976,
cuando sufrió un ataque al corazón que le dejó fuera de combate durante
varios meses. Tras otra estancia en el hospital, en 1981 empezó a
aparecer en escena conduciendo una silla de ruedas eléctrica. Count
Basie murió de cáncer a los 79 años.
Además de varios premios
Grammy, el Conde y sus big bands ganaron las siguientes encuestas de
Jazz: Esquire's Silver Award en 1945; Down Beat reader's poll en 1955,
'57-'59; Metronome Poll '58-'60; Down Beat Critics Poll '54-'57; Playboy
All Stars' All Stars '59. Como pianista, Basie ganó el Metronome Poll
en 42-43. En 1958 Count Basie fue elegido miembro del Down Beat Hall Of
Fame. https://www.allaboutjazz.com/musicians/
